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Lou Red



Lou Reed nació el 2 de marzo de 1942 en Freeport, Long Island, Nueva York, y está considerado como el padre del rock independiente, primero como líder del grupo The Velvet Underground y luego en solitario. Enormemente influyente en el arte pop desde la década de los 60, sus principales discos son Rock'n Roll Animal, Transformer y, para un primer acercamiento, el soberbio concierto que ofreció en el Meltdown Festival: Perfect Night Live in London. 

Lou Reed era un fan del rock y el rhythm and blues que tocaba en varias bandas en el instituto y había grabado un disco sencillo de estilo doo wop como miembro de The Shades. Asistió a la Universidad de Syracuse, donde conoció al poeta Delmore Schwartz, quien le animó a convertirse en escritor. Reed también se aficionó al free jazz y a la música experimental. Más tarde afirmó que sus objetivos eran "traer la sensibilidad de la novela a la música rock" o escribir "la Gran Novela Americana" en un disco.

Lou Reed se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde trabajó como escritor de canciones para Pickwick Records y cofundó The Velvet Underground como guitarrista/vocalista/letrista, junto con John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker. Aunque la banda se deshizo en 1970 y nunca tuvo éxito comercial, su reputación como uno de los grupos más influyentes en la cultura underground se ha mantenido intacta.

En 1972 Lou Reed, ahora en solitario, lanzó Transformer, un álbum de glam rock producido por David Bowie. A continuación publicó Berlin, que cuenta una trágica historia de amor entre dos drogadictos en Berlín. Este disco incluye Caroline Says (violencia), The Kids (prostitución y adicción a las drogas), The Bed (suicidio) y Sad song ("Canción triste").

Lou Reed se adelantó a su tiempo en la elección de estos temas. La música popular no se pondría a su altura hasta la aparición de los punks, entre mediados y finales de los años 70 del siglo XX; pero incluso entonces sus canciones eran únicas: ya fuese entre guitarras distorsionadas o bien suavemente melódicas, Lou Reed cantaba sobre las cosas desasosegantes, o incluso sórdidas, que otros letristas no trataban. "Walk on the Wild Side" es un saludo irónico y gráfico a los inadaptados, chaperos y travestis en la Factoría de Andy Warhol. "Perfect Day" es una elegía a la adicción de Lou Reed a la heroína, más tarde incluida en la banda sonora de la película Trainspotting. En el material que escogía, Reed seguía, y actualizaba, a autores tales como Allen Ginsberg y Jean Genet. La personalidad de Reed fue también avanzada, prefiriendo el cuero negro y la imaginería sadomasoquista incluso en la época hippie.

En 1975, Lou Reed produjo el doble álbum de estudio Metal Machine Music, lleno de pura distorsión y sonidos de sintetizadores electrónicos. Su discográfica lo estaba presionando para que grabara otro álbum comercial al estilo de Transformer, y Lou decidió cortar con ellos grabando intencionadamente uno de los discos más insoportables de la historia. El periodista de rock Lester Bangs lo declaró genial. Aunque admitiendo que las notas internas de los instrumentos usados es ficticia y paródica, Lou Reed mantiene que MMM era y es un álbum serio. Sus discos de finales de los 70 son frecuentamente recordados con reservas por los críticos de rock, debido al menos en parte a las adicciones de Reed en aquellos años.

Al principio de los años 80, Lou Reed dejó las drogas y comenzó, tanto en su trabajo como en su vida privada, a intentar asuntos más serios, notablemente en su aclamado disco de regreso The Blue Mask. Se casó con Sylvia Morales (más tarde, se divorciaron). En su exitoso álbum New York lanzó una enfadada salva contra los problemas políticos de su ciudad, denunciando el crimen, los caros alquileres, a Jesse Jackson e incluso al Papa Juan Pablo II y Kurt Waldheim. Cuando Andy Warhol, que fue anfitrión y productor de The Velvet Underground, murió tras una operación rutinaria, Lou Reed cerró una brecha de 25 años para colaborar con su compañero de la Velvet John Cale en Songs for Drella, una biografía de Warhol en música pop minimalista. Emocionante y dolorosamente confesional, a menudo ingeniosa, la voz de Reed produce ampollas cuando canta sobre presuntos errores médicos y sobre el intento de asesinato de Warhol llevado a cabo por Valerie Solanas en 1968.

Lou Reed continuó en esos tonos oscuros con Magic and Loss, un disco sobre la mortalidad. En 1997 más de 30 artistas hicieron una versión de "Perfect Day" para un especial de la BBC en favor de los niños. En 2001 fue víctima de un bulo que afirmaba que había muerto de sobredosis de heroína. En 2003, publicó un doble álbum, The Raven, basado en la obra de Edgar Allan Poe. En 2004, se publicó una remezcla de su canción "Satellite of Love" que alcanzó el número 10 en las listas inglesas.

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The Bee Gees




A finales de los años 50, tres hermanos hicieron un pacto: "Vamos a ser un grupo pop muy famoso y nada va a pararnos…" Cuatro décadas más tarde podemos afirmar que lo consiguieron. Ellos son Barry, Maurice y Robin Gibb, los Bee Gees.

Nacieron a finales de la década de los 40 en Douglas, en la Isla de Man en el Mar del Norte, hijos de un percusionista de una banda y de una cantante, Barbara. Al padre, Hugg, le gustaba escuchar a Bing Crosby y a los Mills Brothers, a los que los chicos conocerían tiempo después.

En 1958 la familia emigró a Australia, tierra prometida de los ingleses tras la Guerra Mundial. La verdadera historia de los Bee Gees comenzaba aquí. En los primeros 60, actuaban en varios night clubs y, tras mucho sacrificio, graban en 1963 su primer sencillo "Three kisses of love", cuando los Beatles alcanzaban su primer número 1 con "Please please me". Lo que es bastante desconocido y único en los Bee Gees en estos años es la total originalidad de su repertorio, la mayor parte, propias composiciones, en un periodo en que los compositores australianos brillaban por su ausencia…

Por ello, siendo unos adolescentes, había un buen puñado de canciones escritas para otros artistas, como Col Joye, Bryan Davies, Trevor Gordon, Wayne Newton, Dennis and the Delawares, Ronnie Burns, Cheril Gray (la futura intérprete de "Emotion", rebautizada como Samantha Sang)…

En 1964 los Beatles actuaron en Australia. Los hermanos se lo pasaron en grande y decidieron que tenían que regresar a su país, lo que hicieron en 1967, de la mano de Robert Stigwood, ayudante de Brian Epstein y al que mandaron unas maquetas desde Australia. Fueron promocionados como "la más firme promesa desde los Beatles". Pero lo que disgustaba a los Gibb de veras era la manía de ciertos críticos de verlos como imitadores de los Beatles. "De hecho", aducía Hugg Gibb, "los dos grupos suenan parecido. Nosotros vivíamos en Manchester a tan sólo 30 millas de Liverpool. Es una bobada decir que nosotros los imitamos. No se trataba de un sonido propio sino que era un sonido inglés que comienza con Tommy Steel y el skiffle (estilo musical propio de esas tierra , para nosotros entra dentro del folclore popular)".

Le pidieron una orquesta a Stigwood, que les acompañó hasta 1972 con clásicos como "Massachusetts", "Words", "I started a joke", "New York Mining Disaster 1941", "I've gotta get a message to you", "Odessa", "To love somebody", de ésta última hay registradas más de 250 versiones… Estaban en lo más alto cuando la presión, las desavenencias entre los hermanos, las drogas, el cambio musical de los primeros 70… hicieron que el grupo se separara.

Esta descripción de los primeros años de los Bee Gees ilustra la totalidad de sus cuatro décadas de existencia. Han triunfado en dichas décadas, a pesar de todo. Como dijo recientemente Barry Gibb en una entrevista: "Es cierto que nuestra carrera ha sido como una montaña rusa, pero nunca ha resultado aburrida. Hemos aprendido algo de cada mala experiencia, pues se aprende poco de las buenas experiencias y mucho de las malas".

En efecto, lo que más hay que destacar de los Bee Gees es su tenacidad y su aparición en el momento adecuado.

En su retorno a Inglaterra, nada más poner el pie en el suelo, unos músicos les dijeron: "Volveros a Australia, aquí no tenéis nada que hacer. Los grupos con voces bonitas, como los Walker Brothers han pasado de moda. Ahora la gente quiere ver a Eric Clapton, Cream, Troggs, Hendrix…" Pero por su tesón llegaron a formar parte de la leyenda de los 60, junto a Beatles, Stones, Kinks, Hollies, Moody Blues, Pink Floyd, Who, Spencer Davis…

En los 70, tras varios fracasos seguidos, emigran a EE.UU. en 1975, y con la inestimable ayuda de Arif Mardin, productor de Aretha Franklin, Average White Band, Manhattan Transfer desarrollan su verdadera pasión, el R & B y nos dejan obras espectaculares como los álbumes "Main Course", "Children of the world" y alcanzando el cénit de la música pop con las canciones de "Saturday night fever" y el álbum "Spirits having flown" su disco original más vendido de toda su carrera, con más de 20 millones de copias. Hoy "Saturday night fever" es todavía la banda sonora más vendida de la historia musical.

En los 80, durante buena parte de la década el grupo no existió como tal, pero los hermanos destacarían como uno de los más sólidos equipos creativos de la historia de la música, creando un puñado de grandes canciones para artistas como Barbra Streisand, Kenny Rogers, Dionne Warwick, Diana Ross; y apareciendo como grupo en 1987 otra vez de la mano de Arif Mardin con el disco "ESP" con el nuevo número 1, "You Win Again"; y Robin nos dejó su mejor trabajo individual: el disco "How old are you", con "Juliet" como tema principal

La lista de artistas que han interpretado sus canciones es ingente: Elvis, Leo Sayer, Eric Clapton, Elton John, José Feliciano, Janis Joplin, Eric Burdon and The Animals, Tom Jones, George Michael, Tina Turner, Al Green, Olivia N.John, Rod Stewart, Bonnye Tyler, Beautiful South, Nina Simone, Celine Dion, Take That, Michael Bolton, Roy Orbison, Teddy Pendergrass; y entre los nuestros: Tony Ronald, Bravos, Los Tamara, Mustang, Angeles, Mocedades, José Guardiola…

En los 90, el velo de incomprensión de cierta parte de la crítica se va evaporando, comenzando a ser reconocidos por muchos aficionados a la música y conocidos por las nuevas generaciones. Vuelven a hacer giras por Europa y EE.UU., y sus discos son una vuelta a sus raíces, destacando "Size" con "For whom the bell tolls"; "Still Waters", con "Alone"; "One Night Only" disco en directo del que venden más de cinco millones de copias, y en este 2001 "This is where I came in" con el single del mismo nombre y con su doble recopilación definitiva de grandes éxitos titulado genéricamente "The Record". (12 Noviembre 2001)

Con su viejo sueño de niños de llegar a ser un grupo de pop importante cumplido, hoy han alcanzado una madurez en la que no desean llegar a ningún sitio, sólo disfrutar del viaje. Como nos aclara Barry Gibb: "Para nosotros el viaje es más importante que llegar a la meta. Cuando no tengamos nada más que decir, entonces pararemos. Pero pensamos que en la carretera aún hay sitio para nosotros".

Queridos Barry, Maurice y Robin, seguid disfrutando del viaje. La meta puede seguir esperando.

Juan Manuel Alvarez Cámara


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Los Brincos


El grupo se creó en 1964. Sus componentes fueron Fernando Arbex, Manuel González, Juan Pardo y Antonio Morales, Junior. Fueron conocidos como «Los Beatles españoles», de ahí que el nombre del grupo se parezca fonéticamente al de la banda inglesa. En un principio se pensó en bautizar al grupo Las Ovejas Negras. Todos los discos de su primera etapa fueron número uno en las listas españolas.

Los Brincos nacieron a instancias de la discográfica española Zafiro, que trató de repetir en España el éxito de las bandas del beat británico, formando un conjunto que aunara las características del beat británico con la personalidad española. Luis Sartorius fue el encargado de reclutar a los miembros del grupo, procedentes de bandas pioneras del pop español, como Los Estudiantes y Los Pekenikes. Sartorius murió poco antes del lanzamiento, pero ya había sentado las bases de un proyecto que tuvo su plasmación en el estudio gracias a la producción de Mariní Callejo, que había formado parte de Los Brujos y con el tiempo sería considerada como una de las grandes productoras del pop melódico español de los 60 y 70.

De acuerdo con Jesús Ordovás, Los Brincos no tocaban realmente en sus propias grabaciones, sino que eran sustituidos por músicos reales. También supuso otro momento polémico para el grupo cuando fue denunciado por plagio de uno de sus temas ("Sola") en el año 65. Varias revistas de la época, como Diez Minutos, Fonorama o Disco Express se hicieron eco de la noticia.

Juan Pardo y Antonio Morales se separaron dos años más tarde para formar el dúo Juan y Junior. Los nuevos Brincos se recompusieron bajo el liderazgo de Arbex, con las entradas de Ricky Morales y Vicente Jesús Martínez, procedentes ambos del grupo Shakers.

Más tarde Vicente Martínez también abandonó la formación y lo sustituyó Miguel Morales, hermano de Junior y de Ricky. La última formación, a instancias de Arbex, se fue decantando hacia un rock más psicodélico, que en aquellos años estaba desbancando de las preferencias juveniles al beat. Así grabaron el disco conceptual Mundo, demonio, carne, también editado en inglés como World, Devil, Body. Su discreta recepción les decidió a disolver el grupo. Arbex formaría pronto Alacrán y posteriormente Barrabás.

En los años 2000 volvieron a aparecer Los Brincos, esta vez de la mano de Fernando Arbex y Miguel Morales. Se dedican a tocar sus grandes éxitos en diferentes galas y festivales.

En 2003 falleció, a la edad de 61 años, Fernando Arbex.
Fuente: Wikipedia

Mejor

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Nino Bravo



Nació en un pequeño pueblo valenciano, Ayelo de Malferit, pero se trasladó a Valencia a los pocos años. A los 16 años comenzó a trabajar en la joyería valenciana Casa Amat, en la que llegó a ser lapidador.

Durante estos años compaginó el trabajo con su afición al canto, fundando a finales de 1962 el conjunto Los Hispánicos, con sus amigos Félix Sánchez y Salvador Aranda. El trío musical se hizo muy popular en el barrio de Sagunto, donde actuaron en numerosas presentaciones falleras, bailes y verbenas de la época, y llegaron a quedar finalistas en el concurso radiofónico nacional «Fiesta en España». Sin embargo, sus compañeros de grupo decidieron que el mundo de la música no era lo suyo y disolvieron el conjunto.

Luis Manuel perdió su trabajo y dada su amistad con Vicente López, bajista de Los Superson, y aprovechando que estos buscaban sustituto por baja de su cantante Carlos Lardíes en accidente de tráfico, se incorporó al conjunto, del que fue titular ya para siempre. Más adelante salieron del conjunto Josep Bosch, guitarra solista y Saturnino (Nino) Naredo, guitarra rítmica, fundadores del conjunto, y entraron los hermanos Pepe y Vicente Juesas, guitarra y teclado. Este conjunto fue el que le acompañó en todas sus actuaciones hasta el final de su carrera artística. Sin embargo, tuvieron que hacer un paréntesis en sus actuaciones por el servicio militar de Luis Manuel, que cumplió en la Marina de Cartagena. A su regreso se empleó en una oficina, y realizó su presentación como cantante solista en el Festival de la Canción de La Vall d'Uixó en 1968.

Realizó sus primeras galas y un recital en el Teatro Principal de Valencia que sólo le reportaron pérdidas. Posteriormente, la casa discográfica Fonogram lo contrató por cuatro años. Su primer sencillo se grabó con canciones de Manuel Alejandro: «Como todos» y «Es el viento». Acudió al festival de la canción de Barcelona con el tema «No debo pensar en ti», donde fue eliminado.

Pero en el verano de 1969, Augusto Algueró le dio «Te quiero, te quiero», canción que por distintas causas, aún teniéndola grabada el cantante Raphael, la cantante Lola Flores y la actriz Carmen Sevilla no salieron al mercado. Nino consiguió con ella un éxito arrollador, siendo elegida canción del verano. A «Te quiero, te quiero» le siguieron «Noelia», «Perdona», «Mi gran amor», «Esa será mi casa», «Mi querida mamá», «Voy buscando», «Un beso y una flor», «Libre», entre otras.

Participó en la selección para el Festival de Eurovisión en dos ocasiones. La primera en 1970 con el tema «Esa será mi casa», que no consiguió llegar a la final, que ganó Julio Iglesias con «Gwendolyne» (como curiosidad, las canciones son cantadas por dos intérpretes, «Ésa será mi casa» es interpretado también por Franciska). La segunda y más recordada fue en el programa de Valerio Lazarov Pasaporte a Dublín, donde quedó en tercera posición. La cantante Karina fue la elegida.

El 20 de abril de 1971 contrajo matrimonio en secreto con María Amparo Martínez Gil. Luego viajó a Buenos Aires donde actuó en el canal 9 de esa ciudad, en un programa especial, junto con el cantante de tangos Argentino Ledesma.

El 24 de enero de 1972 nació su primera hija, María Amparo. Poco después editó su tercer álbum, titulado Un beso y una flor, con el que obtuvo gran éxito en España e Hispanoamérica.

En noviembre de 1972 participó en el Festival de la Canción de Río de Janeiro como representante español, donde logró empatar en el primer puesto con el estadounidense David Clayton-Thomas. La victoria le fue arrebatada por el presidente del jurado, Joseph Lee Zhito, que, al ser estadounidense, no podría haber votado por su propio país. Semanas después salió a la venta su cuarto álbum, titulado Mi tierra, en el que se incluye uno de sus principales éxitos: «Libre».

El 15 de marzo de 1973 realizó su última actuación en Valencia, dentro del Parador 73 de las conocidas Fallas valencianas. Allí cantó, por primera y única vez, el Himno de Valencia, ayudado por el público asistente. Los granadinos Jardines de Neptuno acogieron poco después la que sería la última actuación del intérprete valenciano.

Muerte y años posteriores

La mañana del lunes 16 de abril de 1973, Nino Bravo, acompañado por su guitarrista y amigo José Juesas Francés y del Dúo Humo, partieron temprano de Valencia hacia Madrid. Un mes antes Nino Bravo se había convertido en representante del dúo y el motivo del viaje no era otro que acudir al estudio de grabación para que éstos «metieran» la voz para el sencillo. Además del patrocinio, Nino también tenía algunos compromisos menores con su propia casa de discos (Polydor-Fonogram) y el regreso estaba proyectado para el martes 17 por la noche.

Se había propuesto realizar el viaje en avión, pero finalmente por diversas circunstancias se decidió hacerlo en el coche recién adquirido por Nino en Valencia, un BMW 2800 de 1970 con placa de matrícula GC-66192. Así, se alejaron de Valencia por la Carretera Nacional III (N-III) entre las 7:30 y las 8:00. Quedaban casi 400 km por delante hasta la capital de España.

Casi dos horas después de viaje, se detuvieron a repostar y desayunar en la localidad conquense de Motilla del Palancar, y antes de las 10:00 prosiguieron camino, pero a pocos kilómetros, en el término municipal de Villarrubio, en una curva en la que ese mismo mes había sucedido un accidente mortal, el vehículo BMW-2800 conducido por el cantante se salió de la carretera y dio varias vueltas de campana.

Nino Bravo y los heridos fueron trasladados en varios vehículos de particulares a Tarancón, situado a 13 kilómetros. En un pequeño hospital de monjas mercedarias llamado Santa Emilia recibieron las primeras curas, siendo trasladados con la única ambulancia de que dispone el pueblo a Madrid, a unos 80 kilómetros de distancia. Sin embargo, a escasos kilómetros de la capital de España, el cantante falleció finalmente, ingresando por tanto óbito en el Centro Sanitario Francisco Franco de Madrid (actual Hospital Universitario Gregorio Marañón).

Las causas de la muerte nunca se han revelado oficialmente, todo apunta a posible neumotórax y a diversos politraumatismos sufridos en la zona abdominal, ya que aunque el coche tuviera cinturones de seguridad delanteros (la norma que obligó su uso es de 1974) es bastante probable que el cantante no lo llevara puesto.


Restos de la curva de la N-III donde Nino sufrió el accidente.

Tras su muerte apareció un disco póstumo, titulado ...y volumen 5, que incluye diez canciones grabadas semanas antes de su fallecimiento. Entre ellas se encuentra «América», que se convirtió en todo un himno para sus admiradores americanos y en uno de sus grandes éxitos. También dentro de este disco aparece la única canción compuesta por Nino Bravo, titulada «Vivir».

El 12 de septiembre de 1973, cinco meses después de la muerte de Nino Bravo se celebró en la Plaza de Toros de Valencia un macroconcierto en homenaje al cantante, en el que actuaron, entre otros: Jaime Morey, Yaco Lara, Dúo Humo, Control, Basilio, Mari Trini, Víctor Manuel, Los Mismos, Daniel Velázquez, 5 Xics, Fórmula V, Bruno Lomas, Mocedades, Juan Pardo, Julio Iglesias, Dova, Los Puntos, Manolo Escobar y Los Superson. Con más de veinte mil asistentes, la recaudación fue el regalo que los artistas hicieron a la segunda hija de Nino Bravo, Eva María, nacida el 27 de noviembre de 1973. La grabación de este concierto se recoge en el doble álbum Los artistas españoles a Nino Bravo.

La figura de Nino Bravo reapareció con fuerza en el panorama musical de habla hispana en 1995, cuando se editó el álbum 50 Aniversario. En esta producción discográfica se realizaron, gracias a la técnica, duetos entre el desaparecido artista y cantantes de éxito actuales. Pronto se convirtió en el disco más exitoso del valenciano, cuyas ventas se estiman en más de un millón de copias.

A raíz de la aparición de Internet, sus admiradores han realizado diversas propuestas, tales como la organización del Primer Encuentro de Fans, Amigos y Familiares de Nino Bravo, o el apoyo a la creación del Museo Nino Bravo en Aielo de Malferit, su localidad natal, fundado en 2006.

En diciembre de 2007 se publicó en Valencia (España) el libro titulado De Manolito a Nino Bravo, escrito por Boro Aranda, en el que se cuenta la verdadera historia del origen y principio musical de Nino Bravo, en el primer grupo, Los Hispánicos, que formaron Luis Manuel Ferri, Salvador Aranda y Félix Sánchez.

En la actualidad se encuentra en cartelera una producción audiovisual titulada Nino Bravo, ¡el musical! que cuenta con un grupo de diez músicos interpretando en directo la banda sonora del espectáculo. Cuatro cantantes –dos masculinos y dos femeninos- ponen voz a las canciones de Nino, además de la imagen y la voz de Nino Bravo, que también está presente en el escenario a través de una pantalla gigante. El musical está realizado por Fernando Navarrete y producido por Ely Forcada.

Fuente: Wikipedia

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Janette



Janette Anne Dimech, musicalmente conocida como Jeanette (Londres, 10 de octubre de 1951), es una cantante británica nacionalizad Española que se dio a conocer a finales de la década de los 60's.

Inicialmente Jeanette integro un grupo juvenil apodados Pic-Nic (anteriormente Brenner's Folk) que luego de tener varias discos, firman un contrato con HISPAVOX y lanzan un único álbum en 1968. Este grupo se dio a conocer con la canción Cállate niña (composición propia de Jeanette) ademas de hacer temas ineditos y covers adaptados al español de cantantes famosos de la época. Las constantes discusiones y la salida de dos de sus integrantes terminaron por disolver el grupo.

Pasado esto, Jeanette no le presto mas importancia al asunto musical pero a inicios de los 70's Hispavox le presenta un ambicioso proyecto para una solista. Después de varias suplicas por parte de la disquera, Jeanette acepta y firma un contrato. En el ultimo trimestre de 1971 se publica su primer single Soy rebelde que para sorpresa de muchos y de la propia cantante se vuelve un hit mundial iniciando así una prodigiosa carrera. En el transcurso de 1974 se lanza otro Ep titulado Porque te vas que no logro ubicarse en rankings de la temporada. 

Carlos Saura rescataría el tema y lo incluye como banda sonora de su película Cría cuervos, estrenada en 1976. Fue gracias a esto que Porque te vas logro llegar al uno en toda Europa y gran parte de Latinoamerica con altas ventas. André Popp mostró interés en Jeanette y le propuso grabar un álbum (el primero en su haber) publicándose en 1977 Todo es nuevo que a pesar de atravesar un buen momento musical, no causo el impacto esperado.

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Los Pop-Tops




Los Pop-Tops fue un grupo musical español formado en 1967 en Madrid, España con los siguientes componentes: José Lipiani, Alberto Vega, Ignacio Pérez, Julián Luis Angulo, Enrique Gómez, Ray Gómez y el cantante Phil Trim. Theophilus Philip Phil Trim nació el 5 de enero de 1940 en Trinidad y Tobago. Los Pop-Tops tenían un sonido mezcla de música clásica de estilo barroco con una voz de tipo soul, con influencias de Procol Harum. Su productor era Alain Milhaud.

Su primera canción de éxito internacional fue "Oh Lord, Why Lord", en 1968. Fue la primera canción pop que usó el Canon de Pachelbel. La cara B del single contenía la canción "La Voz del Hombre Caído" (en inglés "The Voice Of The Dying Man"), basada en una composición de Bach, la famosa Pasión según San Mateo. Fue dedicada en homenaje a Martin Luther King, "Oh Lord, Why Lord" llegó a aparecer en las listas de éxitos de Estados Unidos y Holanda.

Su mayor éxito fue Mamy Blue (escrita y compuesta por el francés Hubert Giraud, y también como co-autor Phil Trim, dato confirmado por el propio Phil Trim en un programa de Intereconomia Televisión dedicado a Pop Tops, España en la memoria, alusivo al año 1971, de Alfonso Arteseros, en calidad de historiador y de mánager del grupo en aquella época), de 1971, que fue un gran éxito en toda Europa y también en Estados Unidos. En 1972, tuvo bastante éxito también la canción Suzanne Suzanne.


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Los Beatles



Un viernes como este viernes 22 de marzo, hace justo 50 años, EMI, a través de su pequeño sello Parlophone, publicó 'Please please me', el primer álbum de un grupo de Liverpool llamado The Beatles. La primera edición sólo apareció en mono. Una semana después, se publicó la versión en estéreo.

No se llegaron a prensar ni 5.000 copias. Ocho de las 14 canciones que contenía el álbum llevaban la firma Mc Cartney-Lennon. Nadíe se atrevía a tanto. Los primerizos sólo graban versiones de temas más o menos famosos, pero los Beatles decían que sus temas eran poderosos.

En un principio, 'sir' George Martin, el productor y director musical, quiso llamar al album 'Off the beatle track'. Incluso se había atrevido a una idea grotesca para la portada. Nada más y nada menos que fotografiar a los cuatro Beatles a la salida de la Casa de Insectos del Zoo de Londres, al que Martín era asiduo ya que no estaba lejos de Abbey Road. Menos mal que la portada se zanjó con una magnífica foto de Angus McBean , tomada desde el entresuelo de las oficinas de EMI, en Manchester Square (hoy día no existen) y con los Beatles tres pisos más arriba, asomados a la barandilla del piso. Finalmente, se llamó al álbum 'Please please me', porque Martin estaba convencido que este tema tenía gancho. El día de la aparición del disco, los Beatles seguían de gira y tocaron en el cine Gaumont de Doncaster. El día anterior había sido un día del demonio, ya que grabaron para la BBC tres de sus canciones para el programa 'On the scene'. Y por primera vez se sintieron como si ya hubieran llegado a pisar el éxito. Pero, ¿cuándo?, ¿cómo?, ¿en qué condiciones? se grabó este primer álbum de una carrera milagrosa.

Los Beatles ya habían lanzado dos singles, 'Love me do' y 'Please please me', con sus respectivas caras B, pero un 'long play' de vinilo de aquellos tiempos , debía tener al menos 14 canciones. De otra forma, parecería una estafa. Pues, bien, los Beatles tuvieron que grabar 10 canciones más en tan sólo un día. Fue el desagradable, frío y lluvioso lunes del 11 de febrero de 1963. No, no era habitual que los artistas tuvieran que grabar en un sólo día un 'long play' completo, pero el roñoso sir George Martin creyó que podían hacerlo para así ahorrar unos chelines. El productor dijo que EMI había pagado nada menos que 400 libras esterlinas por el alquiler de 16 horas del Estudio 2 de Abbey Road. La miseria siempre le persiguió a Martin, que como director artístico del pequeñísimo sello Parlophone manejaba los presupuestos de sus artistas. Años más tarde reconoció que fue un mezquino despreciable con los Beatles, teniendo como tenía 55.000 libras esterlinas de presupuesto anual.

Los Beatles cobraron por ese día de trabajo siete libras con 10 chelines cada uno. El salario mínimo que imponía el sindicato de músicos. Otra miseria, porque era ya más que notable que un grupo de músicos pudiera grabar 10 temas válidos en tan sólo dos sesiones. La primera de las 10.00 hasta las 13.00 horas. La segunda, de 14.30 a 17.00 horas, aunque en la práctca terminó a las 18.00. Como el resultado no era suficiente, Martin exigió hacer una tercera sesión de 19.30 hasta las 22.45 horas.

Los Beatles acabaron exhaustos, histéricos, pero contentos porque habían grabado 14 canciones. Entre las que no se utilizaron en el álbum, estaba una versión de 'Bésame mucho', que Paul cantaba ya que estaba enamorado de esa canción y ya la habían incluido en la maqueta para que el sello Decca les contratara. Decca desechó el talento de los Beatles. La anécdota más sangrante es que los Beatles viajaban en una pequeña furgoneta sin calefacción. El domingo por la noche habían actuado en Sunderland y parece que tuvieron que dormir en el vehículo. Cuando llegaron a las nueve y media de la mañana al estudio 2 de Abbey Road, Paul Mc Cartney tenía mucho frío y estaba acatarrado. El estado de John Lennon era aún peor con fiebre y congestión.

Pero lo peor era que los Beatles se habían dejado para el final de la sesiones , justo la canción más difícil de cantar, cuando tenían destrozadas las gargantas. El 'toro' de la grabación era una versión de 'Twist and shout', una canción que hacía dos años Phil Spector había producido para los Top Notes. Los Beatles tomaban como referencia la versión que los Isley Brothers habían hecho poco después del original.

Un John Lennon en estado febril y lleno de pastillas, té con leche y algo más fuerte, cantó dos veces en directo 'Twist and shout'. Paul siempre dijo que no sabía donde John había sacado las fuerzas. Se intentó una tercera toma, pero John no podía más. Eran cerca de las 23.00 horas y habían cantado durante todo el día. La versión que aparece en el 'long play' es la de la primera toma. Se escucha a un John con una voz de rockero agudo y carrasposo como un negro, quizá por su estado febril.

Todas las canciones se grabaron a través de una mesa de tan sólo cuatro canales, diseñada por los mismos ingenieros de la EMI. Pero el magnetófono, la serie 3 de un British Tape Recorder, sólo admitía dos pistas. Abbey Road utilizaba esos magnetófonos de dos pistas desde que fueron ensayados durante la Segunda Guerra Mundial.

Parece que los Beatles ni siquiera se quedaron a dormir en Londres. Era muy caro y prefirieron cenar y volver a la carretera, porque al día siguiente tenían dos actuaciones. Una en el Arena Ballroom de Sheffield y , más tarde, en el Astoria Ballroom de Oldham, estuviera como estuviera la fiebre de John Lennon.

Es imposible describir la frescura, la belleza, el divino misterio de este primer álbum de los Beatles de hace ahora 50 años. Fue como si todos los dioses se hubieran unido el mismo día para dar el primer soplo mágico al grupo más impresionante de toda la historia de la música.


'Beatlelandia', marzo de 1963
Publicado en el mundo.es Julián Ruiz | Madrid

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